Edith Ke’kuhikuhiipu’uoneonaali’iokohala Kenao nació en Honomu, Hawai. Cuando ella nació, la cultura y las tradiciones de los nativos hawaianos llevaban décadas oprimidas por las políticas imperialistas occidentales, que prohibían bailar el hula nativo y enseñar las lenguas hawaianas. Aun así, el padre de Kanakaʻole, músico, y su madre, bailarina de Hula, enseñaron a sus hijos las artes tradicionales hawaianas. Más tarde, Kanakaʻole siguió aprendiendo a bailar el Hula con Akoni Mika, una destacada bailarina y chantre. A mediados del 7º grado, dejó la escuela y se dedicó a pescar en la playa y a desarrollar su arte. Además de bailar, Kanakaʻole tenía talento para la música y componía canciones y Oli (cantos hawaianos), combinando a menudo la coreografía del hula con el Oli. Sus actuaciones ganaron popularidad y, en 1950, Kanakaʻole realizó una gira por Canadá, Estados Unidos y varios países de Asia. En 1953, a los 40 años, Kanakaʻole fundó la escuela Halau o Kekuhi hola, donde ejerció de Kumu Hula, la principal practicante de la danza y la cultura tradicionales hawaianas. Allí creó un estilo propio de Hula derivado de las tradiciones dancísticas de su Hilo natal. La danza Hula de Kanakaʻole se caracteriza por bailar con las rodillas profundamente flexionadas y movimientos dinámicos. Con el tiempo, los esfuerzos de Kanakaʻole por preservar la cultura hawaiana se extendieron a otras áreas, incluida la lengua hawaiana. El auge del Renacimiento Hawaiano a finales de los 60 y principios de los 70 fue la oportunidad perfecta para promover la causa. Ayudó a desarrollar el primer programa de Lengua Hawaiana en la Escuela Keaukaha de Hilo y el Programa Kupuna de Estudios Hawaianos para las escuelas públicas. Durante la década de 1970, Kanakaʻole trabajó como profesora en el Hawaiʻi Community College y en la Universidad de Hawaiʻi en Hilo, donde ejerció como profesora principal de Lengua Hawaiana y estableció la licenciatura en Estudios Hawaianos. En sus clases, Kanakaʻole enseñaba todos los aspectos de la cultura hawaiana, como genealogía, historia polinesia, etnobotánica, propiedad de la tierra, mitos y cantos. Murió de cáncer a los 65 años. Leer más...

Amrita Sher-Gil nació en Budapest, entonces en el Reino de Hungría. Su padre era un erudito aristócrata Indio punjabi sij, y su madre, una cantante de ópera húngara-judía. En 1921, cuando tenía ocho años, la familia se trasladó a Summer Hill, en Shimla (India). Desde pequeña, Sher-Gil mostró talento para la pintura, pero no comenzó su formación formal hasta llegar a la India. También aprendió a tocar el piano y el violín, y al año de su llegada ya tocaba en conciertos en el Gaiety Theatre de Shimla. En 1924, a los 11 años, se trasladó con su madre a Italia durante un año, donde asistió a una escuela de arte en Florencia y se inspiró en las obras de los grandes maestros italianos. A los 16 años regresó a Europa para formarse como pintora en París. Primero estudió en la Académie de la Grande Chaumière y después en la Escuela de Bellas Artes. En aquella época, se inspiraba en el Arte Occidental, especialmente en el estilo postimpresionista, e incluía autorretratos, retratos de amigos y compañeros de clase, naturalezas muertas, desnudos y la vida parisina. A los 19 años, dio el salto a la fama con su cuadro Chicas jóvenes, por el que recibió una medalla de oro y se convirtió en miembro asociado del Gran Salón de París, siendo la más joven y la única asiática en serlo. En 1934, sus anhelos la llevaron de vuelta a la India y, tres años más tarde, se embarcó en un viaje al sur del país para descubrir y explorar sus raíces indias. Inspirada por la gente y el paisaje, especialmente las pinturas murales de las cuevas de Ajanta, Sher-Gil empezó a incorporar sus técnicas occidentales a la estética India. Este nuevo estilo innovador la separó de sus contemporáneos, sobre todo por su uso de los colores, que contrastaban con los tonos pálidos del Arte de Bengala. Para entonces, Sher-Gil afirmaba haber encontrado su “misión artística”, que consistía en expresar la vida del pueblo indio a través del lienzo, como puede verse en su trilogía del sur de la India: Brahmacharis, El Retrete de la Novia y Aldeanos del Sur de la India Yendo al Mercado. A los 25 años se casó con su primo hermano húngaro, el Dr. Viktor Egan, y se instalaron cerca de su familia paterna en Saraya, en lo que hoy es Uttar Pradesh. Allí se centró en la vida rural y empezó a experimentar con el estilo de las miniaturas mogoles del siglo XVII, como se aprecia en sus obras In the Ladies, Village Scene y Siesta. En 1941, Sher-Gil y su marido se trasladaron a Lahore, donde trabajó en su primera gran exposición individual. Enfermó pocos días antes de la inauguración de la muestra y entró en coma. Murió pocos días después, a la edad de 28 años. El estilo artístico de Sher-Gil ha influido en generaciones de artistas indios, y se la considera una de las mujeres artistas de vanguardia más importantes de principios del siglo XX. Leer más...

Edris Stannus nació cerca de Blessington, Irlanda. A los siete años se trasladó a Kent (Inglaterra) a vivir con su abuela. A los 10, empezó a tomar clases de ballet; tres años más tarde, ingresó en la Academia Infantil Lila Field, donde recibió formación de destacados maestros del ballet, como Enrico Cecchetti y Edouard Espinosa. Bailó en revistas y music halls de Londres. En aquella época, las bailarinas de ballet debían tener nombres franceses o rusos, por lo que cambió su nombre por el de Ninette de Valois. En 1919, con 21 años, de Valois recibió el papel de bailarina principal de la Ópera Beecham; dos años más tarde, se unió a los prestigiosos Ballets Russes como solista, actuando con la compañía por toda Europa. En 1924, a los 26 años, tuvo que retirarse de la danza intensa tras descubrir que tenía daños causados por un caso no diagnosticado de poliomielitis infantil. Esto cambió el curso de su carrera y decidió abrir una escuela de danza. En 1926, fundó la Academia de Artes Coreográficas para niñas en Londres y una escuela hermana en Dublín. Sólo dos años más tarde, Lilian Baylis, propietaria del Old Vic Theatre, invitó a de Valois a proporcionar bailarinas y entrenar actores en las producciones del teatro. La colaboración tuvo mucho éxito, y en 1931, cuando se reabrió el Sadler’s Wells Theatre, la escuela de de Valois se trasladó allí con un nuevo nombre: Escuela de Ballet del Sadler’s Wells. Ese mismo año, fundó la Vic-Wells Ballet Company. En 1956, la Reina Isabel II concedió a la compañía y a la escuela la Carta Real y pasó a llamarse Royal Ballet. Además de producciones clásicas de ballet, como Giselle, El Lago de los Cisnes y El Cascanueces, de Valois creó coreografías originales, como Trabajo, El Progreso del Rastrillo y Jaque Mate. En estas producciones, se apartó de la convención tradicional rusa y creó un estilo coreográfico marcadamente inglés, inspirándose en la tradición, los temas y las fuentes inglesas, prefiriendo a compositores británicos y dando más protagonismo a los bailarines masculinos. En 1963, a la edad de 65 años, se retiró como directora del Royal Ballet, pero dirigió la escuela durante varios años más. Siguió haciendo apariciones públicas y fue patrona de varias compañías, entre ellas el Ballet del Teatro Irlandés, la Compañía de Ballet de Cork y el Ballet Nacional de Irlanda. Murió a los 102 años. Leer más...

Anna Maria Grosholtz nació en Estrasburgo (Francia). Su padre murió dos meses antes de que ella naciera y, poco después, ella y su madre se trasladaron a Berna (Suiza), donde su madre encontró un puesto como ama de llaves del médico Philippe Curtius. Curtius hizo modelos anatómicos de cera con fines didácticos y más tarde utilizó su talento como maestro de la cera para crear retratos de personajes notables. En 1765 se trasladó a París, donde estableció una empresa de retratos en cera, y Tussaud y su madre se unieron a él al año siguiente. Allí aprendió el arte del modelado en cera y pronto empezó a trabajar como su ayudante. A los 16 años hizo su primera figura de cera, la del filósofo francés Voltaire. Durante la década siguiente, creó muchos de sus retratos más famosos, como el de Benjamin Franklin y Jean-Jacques Rousseau. En 1780, a los 19 años, según sus memorias, fue nombrada tutora artística de la Princesa Isabel, hermana de Luis XVI, y vivió en Versalles. Cuando comenzó la Revolución Francesa, Tussaud, que era considerada monárquica, fue encarcelada, pero fue liberada gracias a las conexiones de Curtius. Para demostrar su lealtad a la Revolución, tuvo que hacer máscaras mortuorias para nobles ejecutados, entre ellos María Antonieta, Maximilien Robespierre y la Princesa de Lamballe. En 1749 muere Curtius y ella hereda su colección de figuras de cera y sus dos museos. Al año siguiente, se casa con François Tussaud y sigue creando retratos de cera. En 1802, con 41 años, viaja a Londres para exponer su colección. En esa época comienzan las Guerras Napoleónicas. Al no poder regresar a París, se embarcó en una gira de exposiciones de 33 años por Inglaterra y las Islas Británicas, ganando fama y reputación por sus creaciones de figuras de cera. En 1835, a los 74 años, se instaló en Londres y estableció una sede permanente para su exposición en Baker Street. Tras su jubilación, su hijo se hizo cargo de la gestión. Murió mientras dormía varios años más tarde, a la edad de 88 años. En 1883, su nieto, que heredó el papel de su padre como director artístico de la colección, trasladó la exposición a Marylebone Road, donde aún se encuentra. A lo largo de los años, el museo de cera de Madame Tussaud ha crecido hasta convertirse en una de las atracciones turísticas más populares de Londres y del extranjero, con más de 20 sucursales en todo el mundo, como Leer más...

Artemisia Lomi Gentileschi nació en Roma, Italia, siendo la mayor de cinco hijos y la única hija del pintor toscano Orazio Gentileschi y su esposa, Prudenzia. A los 12 años, tras la muerte de su madre, comenzó a trabajar como aprendiz de su padre, aprendiendo las habilidades de un pintor profesional. Demostrando un talento ejemplar y con el apoyo de su padre, comenzó a crear sus obras de arte, y a los 17 años, completó su primera obra que se conserva, Susana y los ancianos. En 1611, a la edad de 18 años, fue violada por un colega de su padre, el pintor Agostino Tassi. Después de que él se negara a casarse con ella, un disfraz destinado a restaurar su dignidad, su padre presentó cargos contra él. La discusión principal del juicio no fue la violación en sí, sino su virginidad; si no era virgen, no había caso legal. El tribunal desterró a Tassi de Roma, aunque nunca se aplicó. Al mes siguiente, Gentileschi se casó con el artista florentino Pierantonio Stiattesi, y la pareja se trasladó a Florencia. Allí se convirtió en una exitosa pintora de la corte de la Casa de los Médicis. Aprendió a leer y escribir, asistió a representaciones musicales y teatrales y entabló amistad con muchos artistas, escritores y pensadores, como Galileo Galilei. Durante este periodo, comenzó a desarrollar su estilo pictórico. En 1615, con 23 años, Gentileschi contribuyó con la pintura Alegoría de la inclinación al techo de la Casa Buonarotti, en honor a la vida de Miguel Ángel. Al año siguiente, ingresó en la Accademia Delle Arti del Disegno, convirtiéndose en la primera mujer aceptada en la prestigiosa Academia de Arte. En 1620, a los 27 años, se separa de su marido y regresa a Roma. Allí pintó en su estudio, tuvo una libertad e independencia poco frecuentes para las mujeres de la época y mantuvo numerosas relaciones con hombres. Debido a su creciente reputación como artista, se asoció con varios mecenas, que le encargaron pinturas de diversos géneros, como el estilo barroco, conocido por su imagen directa, como se ve en su obra, Susana y los ancianos, de 1622. En 1626, se trasladó a Venecia antes de trasladarse a Nápoles en busca de más oportunidades de trabajo. Una vez más, fue capaz de adaptar su estilo a la demanda de sus mecenas, que entonces solicitaban temas más religiosos, como en su cuadro El nacimiento de San Juan Bautista, de 1635. Durante este periodo, pintó uno de sus autorretratos más conocidos, Autorretrato como alegoría de la pintura. En 1638, con 45 años, viajó a Londres para colaborar con su padre en una serie de pinturas para el techo del Gran Salón de la Casa de la Reina, encargadas por el rey Carlos I de Inglaterra. En 1642, regresó a Nápoles, dirigió un exitoso estudio y pintó hasta que murió a los 60 años. Durante su vida, rompió las barreras para una mujer en el mundo del Arte, dominado por los hombres, y consiguió prosperar y convertirse en una artista de éxito y respetada. A pesar de cambiar de género pictórico, se mantuvo fiel a su voz y estilo únicos, que se reflejaban en los temas que elegía para representar: heroicas protagonistas femeninas de la historia, la mitología y la Biblia, como Cleopatra, Betsabé, las Magdalenas penitentes y, especialmente, Judith. Hoy en día, se la reconoce como una de las artistas más destacadas del siglo XVII. Leer más...

En 1982, su suegro le pidió a Karen Staser que nombrara a cinco mujeres históricas que fueran famosas por su trabajo y no por el de su marido. Staser, que se graduó en la Universidad Estatal de San Francisco con una maestría en Psicología Industrial/Organizacional, no podía pensar en sólo cinco mujeres. Esta ocasión le llevó a 13 años de investigación autodirigida sobre la historia de las mujeres en los EE.UU. Durante este tiempo de lectura, estudio y búsqueda, se dio cuenta de que la historia documentada de EE.UU. carece de las historias de las mujeres que cambiaron América. Trasladándose debido al nuevo trabajo de su marido en Washington, DC, en 1994, se dio cuenta de que hay diferentes museos del Smithsonian, pero ninguno está dedicado a la historia y el legado de las mujeres. La comprensión de que las mujeres seguían siendo invisibles la llevó a tomar medidas y a establecer un museo en la capital de la nación que estaría dedicado a las mujeres de los EE.UU., mostrando sus logros y contribuciones al país. Así, en 1995 se fundó el Museo Nacional de Historia de la Mujer. En sus primeros cinco años, Staser fue la única persona a tiempo completo que trabajó en el museo, sirviendo como su primera jefa y presidenta, y reunió a mujeres fuertes para que se unieran a ella en la junta directiva. El primer proyecto del NWHM fue liderar la campaña para reubicar el Monumento al Retrato de Grupo, en honor a las líderes del sufragio femenino, en la Rotonda del Capitolio de los Estados Unidos. Después de dos años de lucha, tuvieron éxito. La ceremonia de dedicación tuvo lugar el Día de la Madre en 1997. A finales del siglo XX, se estableció una junta con un personal cada vez más numeroso dedicado al museo. Mientras trabajaba para establecer el museo en un lugar físico en la Explanada Nacional, el museo continuó desarrollándose de otras maneras – un sitio web con exhibiciones en línea, los premios anuales nacionales Women Making History Awards, eventos nacionales de recaudación de fondos, exhibiciones itinerantes por todo EE.UU., y muchos más. En el año 2000, Staser decidió trasladarse a Alaska tras la nueva asignación de su marido renunciando a la NWHM. Leer más...

Laura Mary Bragg nació en Northbridge, Massachusetts. A los 6 años contrajo la escarlatina que le causó una pérdida de audición incurable, que compensó leyendo los labios y teniendo una memoria excepcional. Fue educada en casa por tutores privados hasta el colegio y después asistió al Simmons College, donde se licenció en biblioteconomía. A los 25 años empezó a trabajar como bibliotecaria, primero en Maine y luego en una de las bibliotecas de la ciudad de Nueva York. En 1909, con 28 años, Bragg comenzó su carrera en el Museo de Charleston, en Carolina del Sur. Comenzó como bibliotecaria y pronto fue ascendida a comisaria de libros e instrucción pública. En este puesto, desarrolló el primer programa educativo del museo, que fue el primero de un museo sureño en acoger a todos los visitantes, independientemente de su raza. Bragg se veía a sí misma como una misionera social, pues creía que un museo no es sólo una atracción para los visitantes, sino una herramienta de enseñanza que debe estar al alcance de todos, incluso de aquellos que no pueden visitarlo. Para llevar a cabo sus ideas, desarrolló exposiciones escolares itinerantes que se conocieron como “cajas Bragg”: cajas de madera que se abrían para mostrar la historia natural o cultural local. Las cajas se distribuyeron a todas las escuelas de la región, blancas y negras, urbanas y rurales. Las Cajas Bragg tuvieron un éxito inmediato y se incorporaron también a otros museos. En 1921, Bragg, de 40 años, fue nombrada directora del Museo de Charleston, la primera mujer de Estados Unidos en dirigir un museo de arte financiado con fondos públicos. Bajo su dirección, el museo tenía un horario de apertura semanal para los visitantes afroamericanos. Amplió el campo del museo creando conexiones con la Alianza Americana de Museos, de la que más tarde fue nombrada miembro del consejo. En 1931, Bragg añadió salas de lectura públicas al museo y creó la primera biblioteca gratuita de Charleston, en la que ejerció de administradora y bibliotecaria. Bragg recibió elogios a nivel nacional por su trabajo en el Museo de Charleston, y en 1930 se le pidió que fuera la directora del Museo de Berkshire. En ese momento, el museo exhibía una pequeña colección familiar, y Bragg lo convirtió en un instituto educativo. Amplió las exposiciones, convirtió su patio en una galería de esculturas y acogió a artistas de la escena. En un año, el museo había duplicado el número de visitantes. Tras nueve años, se retiró de la dirección del museo y volvió a Charleston para trabajar como educadora en la biblioteca del museo. El interés de Bragg por el arte y la educación se extendió más allá de su trabajo en los museos. En 1920, formó parte del Renacimiento de Charleston, junto a artistas como Alice Ravenel Huger, DuBose Heyward y Josephine Pinckney, y cofundó la Sociedad de Poesía de Carolina del Sur, la Conferencia de Museos del Sur y la Liga de Arte de los Estados del Sur. Bragg murió a los 97 años en Charleston. Conozca más sobre Bragg y otras mujeres pioneras de Charleston en una de estas visitas guiadas: Recorrido por la historia de las mujeres fuertes del sur de Charleston Visita guiada a pie de las mujeres históricas de Charleston Visita guiada a pie de las increíbles damas de Charleston Leer más...