Katherine Mary Dunham nació en Chicago en 1909. Su padre era descendiente de esclavos de África Occidental, y su madre era una mezcla de herencia franco-canadiense y nativo-americana. Desde muy joven, se interesó por la escritura y la danza. Estudió antropología en la Universidad de Chicago. Continuó estudiando ballet clásico y formando su primer grupo de danza, que fue una de las primeras compañías de bailarines afroamericanos. A los 23 años, abrió su primera escuela de danza, el Grupo de Danza Negra. Tres años más tarde, eligió centrarse en la danza después de recibir una beca y visitar las islas del Caribe y Haití como estudiante de antropología. Su campo de maestría fue en los rituales de danza de la diáspora africana en el Caribe. Sus estudios inspiraron su técnica única, que revolucionó el mundo de la danza al combinar el ritmo y el movimiento de los rituales caribeños y africanos con la danza moderna y el ballet europeo. Dunham y el Negro Dance Group actuaron juntos y por separado en Chicago y Nueva York con coreografías creadas por Dunham. Fueron bien recibidos por los críticos y las multitudes. Tras el inmenso éxito que les llevó a Broadway, abrió la “Escuela de Danza y Teatro Katherine Dunham” cerca de Times Square en la ciudad de Nueva York. La escuela enseñaba danza, teatro, artes escénicas, habilidades aplicadas, humanidades, estudios culturales e investigación caribeña, y fue una inspiración para las escuelas de arte de todo el mundo. Dunham y su compañía de danza recorrieron todo el mundo durante muchos años, presentando su novedosa técnica de danza. Debido a dificultades financieras, regresaron a los Estados Unidos, y Dunham hizo trabajos coreográficos por todo Estados Unidos y Europa. Entre las muchas primicias, fue aclamada como una de las primeras mujeres afroamericanas en obtener un título de la Universidad de Chicago, la primera bailarina americana en presentar formas indígenas en un escenario de concierto, la primera en sostener una compañía de danza negra, la primera afroamericana en coreografiar para la Ópera Metropolitana de Nueva York. En 1967 se retiró oficialmente, pero continuó coreografiando. Murió en 2006, un mes antes de cumplir 97 años. Leer más...

Influenciada por su padre, profesor de zoología de Harvard, que se interesaba por los animales, y encontró la inspiración artística en su madre y sus dos abuelas, Anna expresó su pasión por hacer esculturas. Se mudó a la ciudad de Nueva York a mediados de los años veinte y construyó una impresionante carrera en el mercado de las pequeñas esculturas: participó en exposiciones, fue comisionada por prestigiosas instituciones de arte, ganó premios y vendió muchas piezas de arte. Una de sus esculturas más populares fue “Tigre Bostezo” que se compró en cientos de copias. Hyatt Huntington invirtió en largas visitas a París para ganar el reconocimiento del mundo del arte de orientación europea. En 1910 exhibió una escultura monumental de Juana de Arco en el Salón de París. Más tarde se le encargó la reproducción de la escultura, colocando a Juana de Arco en Riverside Drive y en la calle 93. Fue la primera escultura pública de una mujer real que se erigió en la ciudad de Nueva York y el primer monumento creado por una artista femenina en la ciudad. A sus treinta años, estaba considerada entre las mujeres profesionales mejor pagadas del país. A la edad de 47 años, se casó con el magnate de la cultura Archer Huntington, cambiando su nombre de Anna Vaughn Hyatt a Anna Hyatt Huntington. Juntos, la pareja era activa en el mundo del arte nacional. Entre sus muchas iniciativas, los dos establecieron los Jardines Brookgreen de Carolina del Sur, el primer jardín de escultura pública de los Estados Unidos. Anna continuó trabajando hasta unos años antes de su muerte, a la edad de 97 años. Leer más...

Nació en Alepo, Siria, y emigró con su familia a Ohio, EE.UU. cuando tenía 5 años. Desde muy joven, Al-Hadid supo que quería ser artista, y a la edad de 22 años, obtuvo su licenciatura en Historia del Arte y un BFA en Escultura de la Universidad Estatal de Kent. Después de eso, obtuvo un MFA en Escultura de la Universidad de Virginia Commonwealth. En su trabajo, Al-Hadid hace referencia a su herencia de Oriente Medio, así como a la arquitectura antigua, la historia del arte, la cosmología y la física. Sus obras se exhiben en diversos museos y galerías de arte de todo el mundo. Leer más...

Janet Faye Collins nació en Nueva Orleans y creció en Los Ángeles. Comenzó a estudiar danza a la edad de diez años. Su primer maestro fue un vecino, que accedió a darle lecciones a cambio de trajes hechos por su madre costurera. Más tarde se formó en el Centro Comunitario Católico de Los Ángeles, y también estudió arte con una beca en el City College de Los Ángeles y en la Escuela del Centro de Arte de Los Ángeles. Su experiencia se basó en una audición que hizo a los quince años para el Ballet Russe de Monte Carlo en la Filarmónica. Allí le dijeron que tendría que pintarse la cara de blanco para actuar. Collins rechazó la oferta, diciendo, “Pensé que el talento importaba, no el color.” En los años 40 se convirtió en la bailarina principal de dos producciones musicales de Los Ángeles y trabajó con una compañía de danza afroamericana dirigida por Katherine Dunham. También apareció en la película “Thrill of Brazil”. En 1949, Collins debutó en Nueva York interpretando su propia coreografía, basada en su “3-B” – la negrura, el ballet y la Biblia. A la edad de 34 años, Collins fue contratada por el Ballet de la Ópera Metropolitana como su Primera Bailarina. Fue la primera bailarina de afroamericana en trabajar a tiempo completo en una gran compañía de ballet americana. Collins dejó el Met en 1954 y realizó una gira por los Estados Unidos y Canadá en conciertos de danza en solitario. También enseñó danza en varias escuelas. En 1974 se retiró de la actuación y la enseñanza y pasó sus días pintando temas religiosos en su estudio de Seattle. Cuando murió, a los 86 años, los dolientes del servicio soltaron mariposas.   Leer más...

Nació como Gertrude Vanderbilt en la ciudad de Nueva York en una familia de clase alta y recibió educación privada desde muy joven. Se casó a los 21 años con un miembro de la rica familia del Whitney y la pareja tuvo tres hijos. Una visita a Europa a principios del siglo XX la expuso al mundo del arte y la inspiró a convertirse en escultora. Estudió arte en Nueva York, y más tarde en París. Al principio, presentó su trabajo bajo un nombre falso porque temía que no se le tomara en serio como mujer y como miembro de la sociedad. El hecho de que ni su marido ni su familia apoyaran su trabajo contribuyó a sus temores. A la edad de 32 años, Whitney abrió un estudio que más tarde se convirtió en las Galerías Estudio Whitney. Un año después ganó su primer premio por una de sus esculturas. Durante la Primera Guerra Mundial, Whitney invirtió tiempo y dinero en esfuerzos de ayuda y estableció un hospital para soldados heridos en Francia. Solía dibujar a los soldados, y esos bocetos se convirtieron en los primeros borradores de sus famosos monumentos en la ciudad de Nueva York. A lo largo de los años, el arte de Whitney recibió la aclamación de la crítica en todo el mundo. Su obra se puede encontrar en muchas zonas públicas de los Estados Unidos y en algunas de Europa, entre ellas, el monumento a las mujeres del Titanic y el monumento a los fundadores de las hijas de la Revolución Americana, ambos en Washington, DC. A lo largo de los años, reunió obras de arte de jóvenes artistas estadounidenses, fomentó el avance de las mujeres artistas y organizó exposiciones para presentarlas al público. En 1930 estableció el Museo Whitney de Arte Americano en la ciudad de Nueva York y nombró a una mujer para que lo dirigiera. Whitney murió en 1942, a la edad de 67 años. Su hija se convirtió en la directora del Museo Whitney, y su nieta la siguió a la muerte de su madre. Leer más...

Audrey Marie Munson comenzó su carrera como corista de Broadway, después de mudarse con su madre divorciada a la ciudad de Nueva York. Su vida dio un giro a la edad de 17 años, mientras estaba de escaparate en la Quinta Avenida, la adolescente fue vista por un fotógrafo que le ofreció posar para él. El fotógrafo presentó a Audrey a sus amigos artistas, y pronto se convirtió en una modelo buscada, a menudo desnuda, por muchos artistas y escultores famosos. Audrey Munson ha posado para esculturas icónicas en edificios gubernamentales y monumentos públicos, muchas de las estatuas que aún se encuentran en las calles de la ciudad de Nueva York – ganándose el título de “Miss Manhattan”. Otros títulos incluían “La Venus Americana”, “La primera supermodelo de América”, “La Reina de los Estudios de los Artistas”, y “Panama-Pacific Girl” para modelar la mayoría de las tallas de la Exposición Internacional de San Francisco.   Munson se enorgullecía de su trabajo, reclamando la desnudez como una expresión de la libertad femenina, escribiendo: “La ropa nos arruinó. Hacen daño a nuestros cuerpos y peor aún a nuestra alma”. Se mudó a California y cambió su carrera hacia la industria del cine. Protagonizó cuatro películas mudas y es considerada la primera actriz que aparece totalmente desnuda en un largometraje americano. Hizo de modelo de escultora en su primera película, “Inspiración” (1915), que hoy en día no se encuentra en ninguna parte. Audrey Munson también fue escritora, publicando una serie de 20 historias cortas sobre su vida en el Sunday Magazine. Ella y su madre se asociaron con un famoso caso de asesinato – cuando su casero mató a su esposa, supuestamente porque estaba enamorado de Audrey. Aunque ella no tuvo nada que ver con el crimen, eso afectó negativamente su reputación. A los 40 años, su madre la ingresó en una institución psiquiátrica para la depresión y la esquizofrenia. Vivió allí los 60 años restantes de su vida, hasta su muerte a la edad de 104 años. Su lápida, que fue añadida 20 años después de su muerte, tiene una pequeña escultura de un ángel vestido. Leer más...

Abigail Aldrich Rockefeller nació en Providence, Rhode Island. Su padre era Senador Republicano y ella creció yendo y viniendo entre Rhode Island y Washington, DC. Fue educada por una institutriz cuáquera hasta los 17 años, y luego asistió a la Escuela de Señoritas Abbott de Providence. Durante su educación, fue introducida en los círculos sociales y políticos, y a los 19 años hizo su debut oficial en la sociedad. Al año siguiente, se embarcó en un extenso viaje por Europa, donde visitó muchos museos y galerías de arte y comenzó a perfeccionar sus habilidades como coleccionista de arte. A los 20 años conoció a John Davison Rockefeller Jr., hijo del empresario y filántropo John Davison Rockefeller Sr. Tras cinco años de noviazgo, la pareja se casó en una gran boda de sociedad. Los jóvenes Rockefeller se instalaron en Nueva York, primero en el 13 W. 54th Street de Manhattan y más tarde en el 10 W. 54th Street. Rockefeller era una filántropa de corazón, y se dedicó a varias obras de caridad. Donó dinero a las niñas exploradoras, presidió la Auxiliar 336 de la Cruz Roja Americana, fue miembro de la Junta Nacional de la Asociación Cristiana de Mujeres Jóvenes y presidió diferentes comités de la organización. En 1918, Rockefeller fue elegida para presidir el Comité de Vivienda del Consejo de Trabajo de Guerra, en el que trabajó por la mejora de las condiciones de vida de las mujeres trabajadoras. Más tarde aplicó el concepto a los empleados de Standard Oil -la empresa familiar de su marido-, comprando terrenos y construyendo viviendas para los trabajadores, así como un Centro Comunitario que incluía una clínica, una guardería, un gimnasio e incluso una bolera. En 1925, Rockefeller reavivó su amor por el arte y comenzó a coleccionar pinturas y dibujos, principalmente de artistas estadounidenses contemporáneos, así como de modernistas europeos como Vincent van Gogh, Pablo Picasso y Henri de Toulouse-Lautrec. En pocos años, convirtió parte de la habitación de su apartamento del séptimo piso de Manhattan en una galería, donde los visitantes podían ver el arte expuesto. En 1929, junto con Lillie P. Bliss y Mary Quinn Sullivan, cofundó el Museo de Arte Moderno (MoMA) de Nueva York, el primer museo de Estados Unidos dedicado por completo al movimiento moderno. Rockefeller ocupó varios cargos en el equipo directivo del museo, desde tesorera a vicepresidenta y vicepresidenta, además de participar en sus comités. Impulsó la creación de la filmoteca del museo y del Centro de Arte para Veteranos de Guerra, un programa de rehabilitación de veteranos de la Segunda Guerra Mundial a través del arte. La dedicación de Rockefeller al arte se extendió más allá del MoMA; donó obras de arte a otros institutos, como el Museo Metropolitano de Arte y los Claustros del Met, la Escuela de Diseño de Rhode Island y la Casa Ludwell-Paradise en Colonial Williamsburg. Falleció tras sufrir un ataque al corazón a la edad de 73 años. Leer más...

Louise Joséphine Bourgeois nació en París, Francia, donde sus padres tenían una galería de tapices antiguos. Después de la Primera Guerra Mundial, la familia se trasladó a Antony, un suburbio de París, y abrió un taller de restauración de tapices debajo de su apartamento. Durante su infancia, ayudó a sus padres a lavar, coser, remendar y pintar los tapices. A los 19 años, Bourgeois se matricula en la Sorbona, donde estudia matemáticas y geometría. A los dos años de empezar sus estudios, su madre murió y ella decidió cambiar de carrera y estudiar arte. Se apuntó a clases como traductora de inglés para no tener que pagar, y comenzó su formación formal en institutos como la Escuela de Bellas Artes, la Escuela del Louvre y la Académie de la Grande Chaumière. Para adquirir experiencia práctica, visitó estudios y aprendió diversas técnicas. Finalmente, abrió una imprenta en París, donde conoció a Robert Goldwater, un profesor de arte estadounidense que estaba de visita, y en 1938 la pareja se casó y se trasladó a Nueva York. Allí, Bourgeois se matriculó en la Liga de Estudiantes de Arte de Nueva York y comenzó a crear su arte. Durante este periodo, su arte reflejó sus dificultades en el nuevo país y su lucha por entrar en la escena artística de Nueva York. Utilizaba madera a la deriva y restos de chatarra para sus esculturas, como se ve en la “Figura dormida”, que representa a un soldado que no puede enfrentarse al mundo real. En 1945, a la edad de 34 años, Bourgeois realizó su primera exposición individual en la Galería Bertha Schaefer de Nueva York, donde presentó 12 de sus cuadros. En la década de 1950, Bourgeois comenzó a experimentar con diferentes materiales, como el mármol, el bronce y el yeso, explorando los sentimientos de vulnerabilidad, miedo y pérdida de control. Se unió al Grupo de Artistas Abstractos Americanos, y su obra se expuso junto a artistas destacados como Jackson Pollock, Willem de Kooning y Mark Rothko. En la década siguiente, exploró las relaciones y sus creaciones se volvieron más sexuales. En sus 60 años, Bourgeois se convirtió en una figura conocida en el mundo del arte y empezó a enseñar en varios institutos, como la Escuela de Dibujo, Pintura y Escultura de Nueva York, el Brooklyn College y la Escuela de Artes Visuales de Nueva York. También dio clases en escuelas públicas de Long Island y creó en su apartamento el club “Domingo, Malditos Domingos”, en el que recibía a jóvenes artistas y les hacía críticas, de ahí el nombre del club. A los 59 años, unos años después de la muerte de su marido, Bourgeois se trasladó a un gran estudio en Brooklyn, lo que le permitió crear sus famosas instalaciones a gran escala, como su famosa araña monumental de mármol y acero. Tuvo su primera retrospectiva en 1982 en el MoMA, a la que siguieron dos décadas de grandes exposiciones en los mejores museos de arte del mundo, como el Museo Estatal del Hermitage de San Petersburgo, el Centro Pompidou de París y el Museo Tate Modern de Londres. A lo largo de su vida, el arte de Bourgeois fue biográfico, haciéndose eco de sus experiencias y sentimientos, desde la infancia con su padre dominante y adúltero y su madre enferma hasta sus dificultades como inmigrante y sus emociones como esposa y madre. También utilizó su arte para expresar sus opiniones políticas, creando numerosas obras de arte que promovían causas LGTBQ, como la pieza “I Do” para la organización Freedom to Marry en 2010. Bourgeois siguió creando arte hasta la semana anterior a su muerte, a la edad de 98 años. Leer más...