Lorraine Vivian Hansberry nació en una activa familia de élite negra en el South Side de Chicago. Su padre tenía un negocio de bienes raíces, e hizo historia en sus esfuerzos por romper la discriminación racial en los barrios de sólo blancos de Chicago. Lorraine desarrolló su conciencia política en casa y su interés por el teatro en la escuela secundaria. Pasó dos años estudiando arte en la Universidad de Wisconsin, pero se fue a Nueva York para practicar la escritura cuando tenía 20 años. Escribió y editó para el periódico Freedom. Como activista apasionada por los derechos civiles, participó en muchas protestas. En una de ellas conoció a Robert Nemiroff, un escritor judío, y los dos se casaron más tarde. La pareja compartió sus puntos de vista políticos e incluso pasaron la noche antes de su boda protestando. Su marido apoyó su trabajo y su decisión de dejar su trabajo y dedicarse a la escritura. A los 29 años, hizo que su primera obra, “Una Pasa al Sol”, fuera producida en Broadway. Era la historia de una familia negra de Chicago, se convirtió en un éxito y fue celebrada como la primera representación digna de la gente negra en un escenario convencional. La obra duró un año, con 530 representaciones, y más tarde se convirtió en una película. Fue traducida a 35 idiomas y repuesta en Broadway dos veces. Hansberry murió a los 34 años de cáncer. A su funeral en Harlem asistieron 700 dolientes, entre ellos Langston Hughes, que leyó un poema. Ella y Nemiroff se divorciaron antes de su muerte, pero él siguió dedicado a su trabajo y publicó tres de sus obras inacabadas. Leer más...

Nació como Alicia Augello Cook en el barrio de Hell’s Kitchen de Nueva York. Su padre la abandonó cuando tenía 2 años, y fue criada principalmente por su madre. Cuando era niña y vivía en un barrio difícil, Keys estuvo expuesta a las drogas, la prostitución y la violencia callejera. Le atribuye a su madre el haberla llevado por el camino correcto, apoyando su interés por la música y la actuación, que comenzó a temprana edad. En el preescolar, cantó en las producciones de su escuela, y a la edad de 6 años, comenzó el entrenamiento clásico, practicando el piano seis horas al día. A los 12 años, Keys escribió y compuso su primera canción. Dos años más tarde, comenzó a estudiar jazz. Después de graduarse a los 16 años como la mejor estudiante de la Escuela Profesional de Artes Interpretativas, firmó un contrato con el productor discográfico Clive Davis, primero en Arista Records y después en J Records. En 2001, Keys, de 20 años de edad, lanzó su álbum debut “Songs in A Minor”, que incluía el éxito número uno “Fallin”. El álbum vendió más de 12 millones de copias en todo el mundo, y Keys ganó 5 premios Grammy. Cuatro años más tarde, Keys lanzó su segundo álbum, “The Diary of Alicia Keys”, por el que ganó 4 Grammys, incluyendo el premio al mejor álbum y el premio a la mejor canción, y por su tercer álbum “As I Am”, Keys ganó 3 Grammys más. A lo largo de los años, Keys continuó lanzando éxitos #1, incluyendo “No One”, “Empire State of Mind”, y “Girl on Fire”. En total, entre 2001 y 2016, Keys lanzó 6 álbumes de estudio, 2 álbumes en vivo y 1 EP. Además de ser una música aclamada, Keys es también una actriz. Actuó en varias películas y programas de televisión, incluyendo “Empire”, “SNL”, “Smokin’ Aces”, y “The Secret Life of Bees”. También es productora de cine y dirigió uno de los cinco segmentos de la película “Five”. En 2004, Keys cofundó y se convirtió en embajadora mundial de “Keep a Child Alive”, una organización sin fines de lucro que proporciona medicamentos en África para el VIH y el SIDA. Alicia Keys es un icono del empoderamiento de la mujer; su punto de vista puede encontrarse a menudo en sus letras, así como en la campaña #nomakeup (sin maquillage) que lanzó. En 2016 Keys escribió un ensayo en el que afirmaba que se perdía detrás de los delineadores y los lápices labiales, y como no lleva maquillaje, se siente más bella que nunca. Está animando a otras mujeres a descubrirse a sí mismas sin las máscaras. Leer más...

Katherine Mary Dunham nació en Chicago en 1909. Su padre era descendiente de esclavos de África Occidental, y su madre era una mezcla de herencia franco-canadiense y nativo-americana. Desde muy joven, se interesó por la escritura y la danza. Estudió antropología en la Universidad de Chicago. Continuó estudiando ballet clásico y formando su primer grupo de danza, que fue una de las primeras compañías de bailarines afroamericanos. A los 23 años, abrió su primera escuela de danza, el Grupo de Danza Negra. Tres años más tarde, eligió centrarse en la danza después de recibir una beca y visitar las islas del Caribe y Haití como estudiante de antropología. Su campo de maestría fue en los rituales de danza de la diáspora africana en el Caribe. Sus estudios inspiraron su técnica única, que revolucionó el mundo de la danza al combinar el ritmo y el movimiento de los rituales caribeños y africanos con la danza moderna y el ballet europeo. Dunham y el Negro Dance Group actuaron juntos y por separado en Chicago y Nueva York con coreografías creadas por Dunham. Fueron bien recibidos por los críticos y las multitudes. Tras el inmenso éxito que les llevó a Broadway, abrió la “Escuela de Danza y Teatro Katherine Dunham” cerca de Times Square en la ciudad de Nueva York. La escuela enseñaba danza, teatro, artes escénicas, habilidades aplicadas, humanidades, estudios culturales e investigación caribeña, y fue una inspiración para las escuelas de arte de todo el mundo. Dunham y su compañía de danza recorrieron todo el mundo durante muchos años, presentando su novedosa técnica de danza. Debido a dificultades financieras, regresaron a los Estados Unidos, y Dunham hizo trabajos coreográficos por todo Estados Unidos y Europa. Entre las muchas primicias, fue aclamada como una de las primeras mujeres afroamericanas en obtener un título de la Universidad de Chicago, la primera bailarina americana en presentar formas indígenas en un escenario de concierto, la primera en sostener una compañía de danza negra, la primera afroamericana en coreografiar para la Ópera Metropolitana de Nueva York. En 1967 se retiró oficialmente, pero continuó coreografiando. Murió en 2006, un mes antes de cumplir 97 años. Leer más...

Audrey Marie Munson comenzó su carrera como corista de Broadway, después de mudarse con su madre divorciada a la ciudad de Nueva York. Su vida dio un giro a la edad de 17 años, mientras estaba de escaparate en la Quinta Avenida, la adolescente fue vista por un fotógrafo que le ofreció posar para él. El fotógrafo presentó a Audrey a sus amigos artistas, y pronto se convirtió en una modelo buscada, a menudo desnuda, por muchos artistas y escultores famosos. Audrey Munson ha posado para esculturas icónicas en edificios gubernamentales y monumentos públicos, muchas de las estatuas que aún se encuentran en las calles de la ciudad de Nueva York – ganándose el título de “Miss Manhattan”. Otros títulos incluían “La Venus Americana”, “La primera supermodelo de América”, “La Reina de los Estudios de los Artistas”, y “Panama-Pacific Girl” para modelar la mayoría de las tallas de la Exposición Internacional de San Francisco.   Munson se enorgullecía de su trabajo, reclamando la desnudez como una expresión de la libertad femenina, escribiendo: “La ropa nos arruinó. Hacen daño a nuestros cuerpos y peor aún a nuestra alma”. Se mudó a California y cambió su carrera hacia la industria del cine. Protagonizó cuatro películas mudas y es considerada la primera actriz que aparece totalmente desnuda en un largometraje americano. Hizo de modelo de escultora en su primera película, “Inspiración” (1915), que hoy en día no se encuentra en ninguna parte. Audrey Munson también fue escritora, publicando una serie de 20 historias cortas sobre su vida en el Sunday Magazine. Ella y su madre se asociaron con un famoso caso de asesinato – cuando su casero mató a su esposa, supuestamente porque estaba enamorado de Audrey. Aunque ella no tuvo nada que ver con el crimen, eso afectó negativamente su reputación. A los 40 años, su madre la ingresó en una institución psiquiátrica para la depresión y la esquizofrenia. Vivió allí los 60 años restantes de su vida, hasta su muerte a la edad de 104 años. Su lápida, que fue añadida 20 años después de su muerte, tiene una pequeña escultura de un ángel vestido. Leer más...

Nacida y criada en Hawai, Bette Midler fue nombrada en honor a la actriz Bette Davis. Se sintió atraída por la música desde muy joven, con la gente reunida para escucharla fuera de su casa cuando cantaba en la ducha. Midler trabajó en una fábrica de piñas, estudió un año en la Universidad de Hawai e interpretó un pequeño papel en la película “Hawai”, lo que le permitió ganar suficiente dinero para mudarse a Nueva York a la edad de 21 años. Mientras cantaba en una casa de baños gay, adoptó el alter ego “La Divina Miss M”. Se convirtió en el título de su álbum debut, un comienzo de su viaje para convertirse en una de las cantantes femeninas más vendidas de los Estados Unidos. A la edad de 34 años, protagonizó su primera película, “La Rosa”. Su carrera fue rica con más de 15 álbumes y 20 películas, premios Grammy, Globos de Oro, Emmys y un Tony. Como la actriz mejor pagada de su época, era consciente de los prejuicios contra las mujeres en el mundo del espectáculo y cofundó la compañía de producción femenina “All Girl”. Con la cofundadora Bonnie Bruckheimer, su lema comercial era “Guardamos rencor”. Justo antes de cumplir 40 años, se casó con el artista Martin von Haselberg en Las Vegas con un imitador de Elvis dirigiendo la ceremonia. Leer más...

Ann Clare Boothe Luce nació y creció en Nueva York. Su madre quería que se convirtiera en actriz, y desde los 10 años estudió con Mary Pickford en Broadway, actuando por primera vez en Broadway a los 11. A los 20 años se casó con George Tuttle Brokaw, un heredero millonario que era 23 años mayor que ella. Tuvieron una hija antes de divorciarse. A los 27 años, Luce empezó a trabajar en Vogue como redactora de artículos, y más tarde como editora asociada, editora jefe y columnista en Vanity Fair. En 1931, publicó su primer libro, un volumen de relatos cortos titulado “Camisas Rellenas”. En 1935, su primera obra de teatro, “Quédate Conmigo”, se puso en escena pero fracasó. Poco después, escribió la comedia satírica “Las mujeres”, con un reparto totalmente femenino de 40 personajes. Esta obra pionera fue un éxito en Broadway y pronto se adaptó al cine. Tras el éxito, escribió otras dos obras que fueron adaptadas al cine: Besa Adiós a los Chicos y Margen de Error. A los 32 años se casó con Henry Luce, editor de Time, Life y Fortune. En 1939, cuando estalló la Segunda Guerra Mundial, viajó a Europa como corresponsal de la revista Life. En 1941, ella y su marido fueron a China para informar sobre el estado de la guerra con Japón. Cuando Estados Unidos entró en la guerra, Luce visitó instalaciones militares en África, China, India y Birmania. En 1942, a la edad de 39 años, Luce obtuvo un escaño representando a Connecticut en la Cámara de Representantes de Estados Unidos, siendo la primera mujer de Connecticut en ser elegida para el Congreso. Durante su mandato, pidió la derogación de la Ley de Exclusión de China, abogó por la ayuda a las víctimas de la guerra en el extranjero y presionó en favor de cuestiones como el cuidado de los bebés, las asignaciones por maternidad para las esposas de los hombres alistados, la Enmienda de Igualdad de Derechos y el desarrollo del Cuerpo Auxiliar del Ejército Femenino. Fue miembro de la Comisión de Asuntos Militares de la Cámara de Representantes y desempeñó un papel fundamental en la creación de la Comisión de Energía Atómica. Fue coautora de la Ley Luce-Celler de 1946, que permitía a los filipinos y a los indios emigrar a Estados Unidos, y propuso un proyecto de ley para crear una oficina del Departamento de Trabajo que garantizara la igualdad salarial por el mismo trabajo para las mujeres y las minorías. En 1944, su hija de 19 años, Ann Clare Brokaw, murió en un accidente de coche. Para hacer frente a la tragedia, comenzó a explorar la religión y se recibió en la Iglesia Católica Romana. No se presentó a la reelección. Cuando terminó la Segunda Guerra Mundial, Luce se convirtió en una ruidosa defensora del Comunismo Internacional. Durante las elecciones presidenciales de 1952, hizo campaña a favor del candidato republicano Dwight Eisenhower, dando más de 100 discursos por todo el país. Gracias a su contribución, fue nombrada embajadora de EE.UU. en Italia, la primera mujer estadounidense en ocupar un puesto de embajador importante en el extranjero. Renunció a su cargo después de tres años debido a una intoxicación por arsénico que la afectó física y mentalmente. En 1973, Luce fue nombrada por el presidente Nixon miembro de la Junta Asesora de Inteligencia Exterior del Presidente. Permaneció en el consejo hasta 1977, y después, en 1981, fue nombrada por el Presidente Reagan. En 1983 se le concedió la Medalla Presidencial de la Libertad, siendo la primera mujer congresista en recibir este galardón. Tres años después, a la edad de 84 años, murió de cáncer cerebral. Leer más...

Julie Taymor nació en Newton, Massachusetts. Su interés por el teatro comenzó a una edad temprana, produciendo representaciones familiares y de amigos en el patio trasero. A los 10 años se unió al Boston Children’s Theatre, y a los 13 años entró en el Julie Portman Theatre Workshop, en el que descubrió el arte del “Living Theatre”. Se graduó en el colegio a los 16 años y se fue a París para asistir a L’École Internationale de Théâtre Jacques Lecoq. Allí aprendió mimo y desarrolló la sensibilidad física, que luego utilizó muchas veces en sus producciones. A los 18 años, Taymor regresó a Estados Unidos y estudió folclore y mitología en el Oberlin College, donde se graduó con honores Phi Beta Kappa. A los 22 años, con la beca de la Fundación Thomas J. Watson, viajó a Japón e Indonesia, estudiando el teatro y las formas de arte locales. Permaneció en Indonesia durante cuatro años y fundó el Teatr Loh, una compañía de máscaras y danza con actores, bailarines, músicos y titiriteros de todo el mundo. En 1980, Taymor regresó a Estados Unidos y se instaló en Nueva York. En esa época conoció al compositor Elliot Goldenthal, que se convirtió en su compañero de vida y colaborador artístico. Su carrera despegó en Nueva York, diseñando máscaras, trajes y marionetas para varias producciones, como The Haggadah, Black Elk Lives y Savages. Al mismo tiempo, impulsó varios proyectos propios, adaptando materiales al teatro y dirigiendo numerosas obras, como La tempestad, La fierecilla domada y Tito Andrónico. En 1997, Taymor estrenó en Broadway la producción de El Rey León. No sólo dirigió el musical, sino que también diseñó el vestuario, las máscaras y las marionetas. El musical se convirtió en la producción de Broadway más recaudatoria de todos los tiempos, presentándose en más de 12 países y siendo visto por más de 45 millones de personas en todo el mundo. Taymor se convirtió en la primera mujer en recibir el premio Tony a la mejor dirección de un musical. En 1992, a los 40 años, dirigió su primera ópera: Edipo Rey, de Stravinsky. Le encantó y siguió dirigiendo una producción tras otra, como El Holandés Errante de Wagner, Salomé de Richard Strauss y La Flauta Mágica de Mozart. Ese mismo año dirigió también su primera película: El Fuego de los Tontos. A lo largo de los años, adaptó muchas de sus producciones de ópera y teatro al cine, como Edipo Rey, Tito y La Tempestad. En 2002, dirigió su aclamada película Frida, que retrata la vida de la artista mexicana Frida Kahlo. Su siguiente película fue el musical Jukebox Across the Universe, una historia de amor durante la guerra de Vietnam ambientada con la banda sonora de los Beatles. En 2020, estrenó la película Las Glorias, que sigue la vida del icono feminista Gloria Steinem. Leer más...

Barbara Joan Streisand nació en Brooklyn, Nueva York, en el seno de una familia judía. Cuando tenía un año, su padre murió y su madre pasó apuros económicos, trabajando como contable mal pagada. Streisand recibió su primera educación en Institutos Judíos. Era una niña tímida, rechazada por otros niños debido a su aspecto, y pasaba gran parte de su tiempo viendo la televisión y yendo al cine. A los 13 años, durante unas vacaciones en Catskills, Streisand y su madre, soprano en su juventud, grabaron canciones en una cinta. Esa fue la primera vez que pensó en sí misma como artista. Al año siguiente, tras ver por primera vez una obra de teatro en Broadway, El diario de Ana Frank, decidió convertirse en actriz. Comenzó a explorar la profesión, leyendo obras de teatro, teorías de interpretación y biografías de actrices de teatro. A los 15 años, consiguió su primer trabajo en el negocio como asistente entre bastidores en el Cherry Lane Theatre de Greenwich Village. A los 16 años, tras graduarse con honores en el Erasmus Hall High School, Streisand se trasladó sola al Theater District, durmiendo con amigos mientras intentaba conseguir papeles en el escenario. A los 18 años, Streisand ganó un concurso de talentos en el club nocturno Lion y empezó a cantar en clubes de la zona. Durante ese tiempo, empezó a desarrollar su personalidad escénica, creando personajes emotivos, trabajando en su rango de canto y hablando al público entre canciones. En 1962, tras dos años actuando en varios clubes nocturnos, Streisand consiguió su primer papel en una producción de Broadway, interpretando a Miss Marmelstein en el musical I Can Get It for You Wholesale. Este papel le valió su primera nominación a los premios Tony y a su primer marido, Elliott Gould. Su matrimonio duró 6 años y tuvieron un hijo juntos. Convertida en una sensación inmediata, Streisand hizo su primera aparición en televisión en El Show de la Noche, y más tarde en El Show de Judy Garland y El Show de Garry Moore, donde cantó por primera vez su canción emblemática “Happy Days Are Here Again”. En 1963, Streisand publicó su primer álbum, el Barbra Streisand Album, por el que ganó tres premios Grammy. Al año siguiente, volvió a Broadway, interpretando a Fanny Brice en Funny Girl, papel que volvió a interpretar en la adaptación cinematográfica de 1968, recibiendo un premio de la Academia por su actuación. Durante los años 60 y 70, Streisand se consolidó como una artista polifacética, publicando una serie de álbumes premiados, como Stoney End, No me traes flores y Culpable, al tiempo que protagonizaba varios éxitos de taquilla, como Hello, Dolly, En un Día Claro Puedes Ver Siempre, Tal Como Éramos y Ha Nacido una Estrella. En 1972, fundó la productora Barwood Films, debutando como directora en la película Yentl en 1983, por la que se convirtió en la primera mujer en ganar un Globo de Oro a la mejor dirección. Siguió produciendo, dirigiendo y protagonizando las películas El príncipe de las mareas y El espejo tiene dos caras. En 1985, Streisand lanzó The Broadway Album, que alcanzó el número 1 en la lista Billboard durante tres semanas, lo que le valió un cuádruple platino y su octavo premio Grammy a la mejor vocalista femenina. Entre 1986 y 1991 publicó tres álbumes más, incluida una caja de cuatro discos, Just for the Record. Durante muchos años, Streisand evitó actuar en directo, pero en los años 90 volvió a los escenarios. Su espectáculo, que comenzó como un evento de dos noches en Año Nuevo, se convirtió en una gira por varias ciudades con entradas que alcanzaban los 1.500 dólares, lo que convirtió a Streisand en la artista mejor pagada de la historia y le valió cinco premios Emmy. A los 55 años, después de casi 10 años, Streisand publicó un álbum de nuevas canciones, titulado Superior Suelo, que volvió a alcanzar el primer puesto de la lista Billboard y le valió dos nominaciones a los Grammy. En 2004, tras un permiso de 8 años, Streisand volvió al cine actuando en la película Conozca a los Fockers. Continuó apareciendo en varios papeles de invitada en muchos programas y especiales de televisión, grabando bandas sonoras y lanzando singles y discos, incluyendo su álbum de protesta de 2018, Walls. Streisand utiliza su fama y fortuna para promover causas políticas y sociales, recaudando millones de dólares con sus actuaciones en directo. Donó un edificio a la Universidad Hebrea de Jerusalén, donó 5 millones de dólares al Centro del Corazón de la Mujer en el Centro Médico Cedars-Sinai, y con la Fundación Streisand que fundó en 1988, contribuyó con más de 16 millones de dólares a organizaciones que promueven la preservación del medio ambiente, los derechos civiles, los problemas de la mujer, las libertades civiles y el desarme nuclear. A lo largo de su carrera, ha grabado 50 álbumes de estudio y 10 discos en directo. Apareció en 19 películas, dirigió 3 y produjo unos 30 proyectos. Ha recibido 52 discos de oro, 31 de platino y 13 multiplatino, convirtiéndose en la artista más premiada de la historia. Leer más...

Gertrude Jeannette nació en Urbana, Arkansas, donde creció en una granja con sus seis hermanos. Durante la Gran Depresión, la familia se trasladó a Little Rock, Arkansas. Asistió al colegio segregado Dunbar High School y pensaba matricularse en la Universidad de Fisk. En su noche de graduación, conoció a Joe Jeannette, que era 35 años mayor que ella, y justo antes de su graduación, la pareja se fugó a Nueva York. Allí, Jeannette se involucró en el movimiento por los derechos civiles. El marido de Jeannette, boxeador de peso pesado y presidente del club de motociclistas Harlem Dusters, le enseñó a conducir una motocicleta. En 1935, se convirtió en la primera mujer de la ciudad de Nueva York en tener una licencia de motocicleta. Durante la Segunda Guerra Mundial, la ciudad tenía escasez de taxistas, Jeannette acudió a la llamada, y en 1942, a la edad de 28 años, aprobó el examen de taxista y se convirtió en la primera mujer de Nueva York en tener una licencia de conductor de taxi. Con sus nuevos ingresos, Jeannette quiso ampliar su formación, y mientras asistía a clases de contabilidad, tomó una clase de oratoria en el Teatro Negro Americano para corregir su tartamudez. Como parte del plan de estudios del teatro, Jeannette se vio obligada a tomar clases de interpretación, lo que cambió el curso de su vida. A los 31 años, Jeannette comenzó su carrera de actriz, consiguiendo su primer papel principal en la obra “Nuestro Pueblo”, y cuatro años más tarde, actuó en su primera producción de Broadway: “Perdido en las Estrellas”. Jeannette vio la falta de personajes negros auténticos en el teatro, así que empezó a escribir sus obras. Su primera producción, “El camino a seguir”, se estrenó en 1950. En esta obra autobiográfica, Jeannette representaba la vida de los aparceros del Sur. Como en sus otras obras, presentaba personajes afroamericanos fuertes y trataba temas como el racismo, la educación, la política y los problemas familiares. Ese mismo año, Jeannette participó en la producción de la hora de televisión “Los trombones de Dios”, añadiendo otra primicia a su lista como primera actriz afroamericana en aparecer en la televisión nacional. Jeannette siguió apareciendo en varias producciones de Broadway, películas y programas de televisión. Sus créditos incluyen títulos como “Nada Más que un Hombre”, “El Algodón Llega a Harlem”, “Shaft” y “Chica Negra”. En 1979, Jeannette fundó la H.A.D.L.E.Y. Players ( Harlem Artista de la Liga de Desarrollo Especialmente para Usted), una compañía de teatro, que dio a los artistas un lugar para desarrollar sus habilidades, enriqueciendo la vida cultural en Harlem. Jeannette actuó, dirigió y escribió hasta su jubilación a los 98 años. Murió en su casa de Harlem a los 103 años. Leer más...

Nació como Audrey Kathleen Ruston en Bruselas, Bélgica. Su madre era una baronesa holandesa y su padre era británico de origen aristocrático. En su primera infancia, la familia viajaba entre Bruselas e Inglaterra. A los 6 años, después de que su padre abandonara la familia, se trasladó con su madre a la finca familiar de Arnhem (Países Bajos), y dos años más tarde regresó a Inglaterra para asistir a un internado. En 1939, después de que el Reino Unido declarara la guerra a Alemania, Hepburn regresó a Arnhem, pensando que permanecería neutral. Durante la Segunda Guerra Mundial, Hepburn y su madre estuvieron relativamente a salvo, pero pasaron por dificultades: su hermanastro fue deportado a un campo de trabajo alemán, su tío fue asesinado y ella sufrió anemia como consecuencia de la desnutrición provocada por la hambruna holandesa de 1944. Después de la guerra, Hepburn, de 16 años, se trasladó con su madre a Ámsterdam, donde trabajó en el Real Hogar Militar de Inválidos y continuó su formación en ballet. A los 19 años, regresó a Londres para estudiar interpretación y ballet, y se mantuvo trabajando como modelo. Cuando le dijeron que era demasiado alta y débil para convertirse en primera bailarina, Hepburn se centró en la actuación. A los 23 años, durante el rodaje de una película en Monte-Carlo, Hepburn llamó la atención de la novelista francesa Sidonie-Gabrielle Colette, que decidió contratarla para el papel principal de la adaptación de Broadway de su novela Gigi. Hepburn recibió elogios por su actuación, y ese mismo año lanzó su carrera en Hollywood, protagonizando la película Vacaciones en Roma junto a Gregory Peck. La película fue un éxito y Hepburn cautivó al público con su interpretación de la joven princesa, por la que ganó un premio de la Academia a la mejor actriz, un premio BAFTA y un premio Globo de Oro. Tras su éxito, Hepburn firmó un contrato de siete películas con los estudios Paramount, que incluía la película Sabrina, con la que ganó otro premio BAFTA. En 1954, Hepburn volvió al escenario como ninfa del agua en Ondine, por la que recibió un premio Tony. En la producción, conoció a su primer marido, su compañero de reparto Mel Ferrer, y la pareja se instaló en Suiza, lugar al que llamaba hogar cuando no rodaba en Estados Unidos. En la década siguiente, Hepburn protagonizó una serie de largometrajes de éxito, como Guerra y Paz, Historia de una Monja y Mansiones Verdes, junto a actores de primera fila. A los 30 años, Hepburn empezó a interpretar personajes más sofisticados y mundanos. Entre ellos, su aclamada aparición como Holly Golightly en Desayuno con Diamantes, Regina en el thriller Charada y Eliza Doolittle en el musical My Fair Lady. A los 40 años, tras su divorcio, Hepburn decidió centrarse en su familia y se retiró durante unos años. Se casó con el psiquiatra italiano Andrea Dotti y tuvo otro hijo. A los 47 años, retomó su carrera de actriz, apareciendo junto a Sean Connery en Robin y Marian y presentando una serie documental itinerante llamada Jardines del Mundo con Audrey Hepburn. Su último papel en el cine fue en 1989 como ángel en Siempre, de Steven Spielberg. En total, Hepburn participó en más de 20 películas y recibió más de 10 premios por sus interpretaciones. A lo largo de su carrera, Hepburn fue conocida como un icono de la moda, reconocida por su aspecto distintivo y sus elecciones de moda. Tenía un estilo único y minimalista, con prendas de siluetas sencillas y colores monocromáticos, asociado principalmente al “pequeño vestido negro” que llevaba en Desayuno con Diamantes. Desde 1988, Hepburn se dedicó a su deber como embajadora de buena voluntad especial del Fondo de las Naciones Unidas para la Infancia (UNICEF). Viajó a zonas asoladas por la hambruna para concienciar sobre los niños necesitados, realizando más de 50 viajes a África, Asia y América Central y del Sur. En 1992, tras regresar de Somalia, a Hepburn se le diagnosticó un cáncer de colon. Murió en su casa de Suiza a los 63 años. Leer más...